Após o tempo sabático, de forma pontual, mas gradualmente e sem pressa, vamos começar a falar sobre discos e outras coisas que se destacaram durante esse período de pausa, quando der, quando nos apetecer e quando fizer sentido.

Género: Punk, Hardcore

Banda: Turnstile

Disco: Glow On

Lançamento: 27 de agosto de 2021

Editora: Roadrunner Records

Capa do álbum foi criada por Alexis Jamet, com direcção de arte de Dewey Saunders.

A mudança em Glow On (2021) é o resultado de uma evolução natural que Turnstile vinha a apontar desde os discos anteriores, mas que aqui se concretiza plenamente. A transformação transparece a vontade de expandir os limites do hardcore punk ao incorporar novos estilos, texturas e emoções à sonoridade da banda.

Enquanto discos como Nonstop Feeling (2015) e Time & Space (2018) já apontavam para uma fusão de hardcore com elementos de funk, groove e melodia, Glow On dá um passo adiante. Um brilho mais ousado e experimental. O quinteto de Baltimore explora influências que vão desde ritmos caribenhos e dream pop até elementos de música electrónica, mas sempre mantém a energia solta que define o núcleo do hardcore.

A mudança reflecte também um amadurecimento criativo. A banda americana parece confortável em romper barreiras e ignorar as expectativas de "pureza" dentro do género punk. Brendan Yates e os outros membros canalizaram uma abordagem colaborativa para a composição, o que resultou num som mais amplo e inclusivo.

Disco produzido por Mike Elizondo (conhecido por trabalhar com artistas de hip-hop, pop e rock como Dr. Dre e Fiona Apple), Glown On apresenta uma produção polida e inovadora que dá espaço para as ideias da banda respirarem. Os sintetizadores etéreos, os refrões quase pop, e a inclusão de sons inesperados (como os ritmos hipnóticos de "Alien Love Call" com Blood Orange) mostram que Turnstile não tem medo de explorar territórios desconhecidos.

A mudança não é apenas técnica, mas também emocional. O trabalho mais recente é um álbum que abraça a introspecção, a melancolia e a celebração de uma forma que vai além da raiva típica do hardcore. A banda ainda mantém a energia explosiva e a intensidade que os fãs gostam, mas com uma profundidade emocional e uma vontade de arriscar que elevam o álbum a um novo patamar.

O som inicial do Turnstile é um murro no peito e um convite ao caos, enraizado no hardcore punk de coração puro. Com a energia crua de Youth of Today, a alma rebelde de Bad Brains, e a ferocidade de Trapped Under Ice — banda da qual Yates foi membro — os primeiros trabalhos como Pressure to Succeed (2011) e Step 2 Rhythm (2013) apresentam faixas curtas, agressivas, e rápidas, que encapsulam o espírito do hardcore tradicional. 

Certo é que desde o início, a banda brilhava com riffs pesados e grooves irresistíveis, combinados com uma atitude desafiadora que se aventurava além do óbvio. A fórmula misturava melodia no caos, swing na agressividade, e uma produção mais refinada do que o género normalmente permitiria. Turnstile não apenas seguia o manual do hardcore — estava já a reescrevê-lo. 

Quando chegamos a Glow On, a máquina está bem afinada. Pedais oleados, travões ajustados e músculos prontos para acompanhar a energia eléctrica. Este disco, composto por 15 faixas de pura vibração, não é apenas para ouvir; é para sentir nas veias. Aqui, a idade desaparece — seja na adolescência ou na velhice, o pulso acelera, o sangue corre, e a vida ganha um novo ritmo ao som da banda americana; se for com um skate nos pés, ainda melhor.

Esses jovens músicos são alquimistas sonoros, capazes de absorver influências de Rage Against the Machine, Refused, Fidlar, Beastie Boys, The Bronx, Heisa, Turbonegro a Razorbumps, moldam-as numa fusão irresistível. Preso num dia cinzento, sem forças para sair da cama? Dá play neste disco. Em minutos, estarás a respirar ar fresco, arrancado da apatia e lançado aos braços de uma tempestade sonora.

E no centro desse furacão está Brendan Yates, que trocou as baquetas pela voz, não para afastar-se do ritmo, mas para criar algo ainda mais colérico. As letras que escreve ganham vida no palco, e transformam-se numa tempestade de energia crua e magnética. 

Não há muito mais a dizer, excepto um aviso: se estás disposto a ceder ao apelo do capitalismo para viver este momento, vai ao Primavera Sound e deixa-te perder na multidão. Mas se és fiel às raízes do punk, aguarda pelo calor de um concerto fechado, onde o verdadeiro espírito do hardcore ganha vida — com mosh pits, invasões de palco e caos glorioso. Porque Turnstile é isso: a banda-sonora de um mundo em rebelião organizada. 

Em resumo, a mudança de Turnstile em Glow On não é uma ruptura, mas uma evolução — um reflexo da coragem criativa de uma banda que se recusa a ser limitada pelos rótulos.

Em que tema estás? Eu cá fiquei retida na Mystery... Agora, calça as tuas Vans e deixa que o espírito te conduza, sem pressa e sem rumo certo. E não te esqueças de apertar os cordões. 

Texto: Priscilla Fontoura
* Este texto não foi escrito ao abrigo do Acordo Ortográfico

“Desire for an idea is like bait. When you're fishing, you have to have patience. You bait your hook, and then you wait.The desire is the bait that pulls those fish in—those ideas. The beautiful thing is that when you catch one fish that you love, even if it's a little fish—a fragment of an idea—that fish will draw in other fish, and they'll hook onto it. Then you're on your way. Soon there are more and more and more fragments, and the whole thing emerges. But it starts with desire.”

― David Lynch, Catching the Big Fish: Meditation, Consciousness and Creativity 

The Art Life

 

Imagem: Carlos Lowenstein

Não é verdade que a música que se criava há duas, três ou quatro décadas era melhor. Talvez fosse mais fácil aceitar as preferências das rádios e de outros canais de difusão que colocavam bandas no centro dos holofotes em detrimento de outras. E talvez, caras associadas à divulgação de música levavam melómanos a consumi-la por confiarem nas sugestões desses especialistas. A máquina era pensada de outra forma e nem sempre chegava aos ouvintes com o imediatismo de agora. Hoje, sabemos que a partilha online é imediata, mas também mais efémera. Todos são produtores, promotores e criadores, as funções mesclam-se na era da cultura democratizável. 

Talvez seja também mais difícil ouvir algo que nos faça vibrar por carecer de peculiaridade. Mas a sede de outras sonoridades é saciada quando discos conseguem modelar as expressões faciais. Os americanos Lifeguard são um desses casos. A banda que podia fazer parte do clã Stranger Things, inspira-se no garage, pós-punk, indie rock desconstruído dos anos 90, enfatizado pelos Sonic Youth, para criar música que suscita interesse. De um lado Kai Slater canta melodias e toca a guitarra retro conturbada, do outro Asher Case marca o ritmo com palavras e baixo e ao centro Isaac Lowenstein marca o tempo com batidas intensas. A energia vai alimentando a evolução de uma banda que ainda é recente, mas com todos os nutrientes necessários para lançar discos que necessitamos de juntar à nossa playlist.

O baixo propulsivo de Case e a bateria intensa de Lowenstein alimenta a euforia colectiva, própria de jovens idealistas que vêem nos palcos, estúdios e pessoas à sua volta a sua libertação. Como alguém disse, é como se Sonic Youth e Drive in dessem à luz um filho. Ou uma filha. E Alarm marca esse momento. Esta estranha relação intergeracional que liga gerações diferentes, as mais novas, que muito ou pouco sabem sobre a vida, depende da idade com que se depara com tragédias anti-natura, aos mais velhos, com experiência sobrelotada com memórias, só é possível pela magia que a música tem. Uma coisa é reveladora, as influências são essenciais para o género de música que os Lifeguard fazem. O trio não pretende ser um arquivo musical que traz à superfície a imitação de guitarras underground de décadas passadas, pelo contrário, é o produto de uma comunidade que traz uma nova roupagem alicerçada ao revivalismo do rock de 90.

Dive

No álbum de estreia Dive, os Lifeguard apresentam linhas de baixo que poderiam animar até temas pós-punk mais sombrios, uma bateria apaixonada que aumenta a tensão até ao ponto de ebulição e guitarras ferozes tão saturadas de distorção que se espalham pelas salas. Unfold é sem dúvida o tema que mais chama a atenção pela brincadeira rítmica que o trio cria e Fishnet volta a Sonic Youth como referência maior, mesmo que não seja consciente. As referências de Lifeguard vão de Tortoise, Fugazi a Unwound - bandas que nasceram sem nenhum membro de Lifeguard existir ainda. Contudo, o adn poderia justificar a tendência para o tipo de sonoridade, uma vez que o baixista e vocalista Asher Case é filho de Brian Case (Facs) que comentou com Munaf Rayani de Explosions in the Sky que a incursão do seu filho na música foi por vontade própria e influência de amigos. Verdade seja dita, Dive transparece a exploração de três miúdos com curiosidade para desbravar novos caminhos e cuja pegada é mais transformadora e ousada ao rock do género feito em décadas passadas.

Crowd Can Talk

O mais recente trabalho resulta de um esforço colectivo. 17-18 Lovesong fica no ouvido por tempo indeterminado, aparentemente inspirado por relações desfeitas e por uma profunda autorreflexão. O tema esboça um misto de sentimentos sincronizados por um pós-punk que pede um passeio de bicicleta acelerado. A compilação de dois EPs, Crowd Can Talk, lançado ano passado via Matador, originalmente editado pela Born Yesterday, e Dressed in Trenches, uma colecção de cinco temas, lançado a 7 de Julho, gravado no estúdio Electrical em Chicago, pelo engenheiro de som Mike Lust, é a nossa recomendação para escuta e salvação para um metro apinhado de gente. Lifeguard mostra que a cena juvenil de Chicago encontra-se de boa saúde.

Texto: Priscilla Fontoura

Género: alternativo, experimental, avant-garde, rock

Autores: Ultra Zook

Disco: Auvergnication

Lançamento: 5 de Maio, 2023

Editoras: Dur et Doux, Coolax, Araki Records, L'Etourneur, Not a Pub e Gnougn, Ignominie

Espera-se, de alguns "mensageiros" que nos enviam emails, novidades interessantes. Os Dur et Doux fazem parte da faixa que não desilude sempre que nos chega uma notícia da editora de Lyon. Falam do novo disco de Ultra Zook, uma banda francesa formada em 2011 que agora lança Auvergnication, trabalho que se enquadra na época estival e tem como pano de fundo a Auvérnia, região montanhosa rica em florestação, com estâncias termais e vulcões adormecidos. Clermond-Ferrand, lugar onde decorre um dos festivais de cinema mais importantes da Europa, é a principal cidade da região. O quinto disco (3 EPs) e segundo álbum, que contém 9 temas, abunda em talento e criatividade, tanto conceptual quanto musicalmente. François Arbon (saxofone e trombone), Flo Borojevic (percussão), Ilya Faraut (voz) são os músicos convidados deste disco que contribuíram com linhas e texturas sonoras. Imagino a diversão em torno da criação de Auvergnication. 

Ultra Zook

Não se tem como intuito detalhar cada faixa de Auvergnication. Essa tarefa cabe a quem o quiser ouvir. No entanto, alguns temas merecem ser destacados, como é o caso de "Rêve avec les Red Hots", pelo imaginário revelado por um dos integrantes da banda, que há 10 anos sonhou que conheceu [os outrora até interessantes, mas agora chatos], Red Hot Chili Peppers. Ressaltam "J'ai l'impression qu'c'est plus ça", que conta a história de um desentendimento amoroso, "L'aspi", que segue os pensamentos de uma pessoa que está a aspirar a casa e "Cet Enfant-là", que fala sobre uma separação e o fato de que nunca nascerá um filho dessa união. "Complètement Plètement", cujo texto foi escrito pelo irmão do último membro do grupo Jérémie Bardiaux, joga com palavras e ritmos. O meu preferido? "Salut!". É festivo e causa gargalhadas. Auvergnication é um bom disco para acompanhar as férias junto de amigos melómanos que tanto falam sobre como conseguiram enganar o ChatGpt sentados numa tampa de sanita, como fritam batatas fritas cobertas com aioli às 5 da manhã depois de uma maratona no youtube a ver vídeos de luta do Rambo turco. Este disco é divertido. Se conseguir roubar um sorriso de alguém que esteja a passar por uma depressão profunda, deixará certamente o trio contente. Bandas como Za!, Red Wings Mosquito Stings e Zach Hill remetem, aqui e ali, para o som dos franceses. 

 

Assinala-se o gesto bonito das editoras que se uniram para distribuírem o disco: Dur et Doux, Coolax, Araki Records, L'Etourneur, Not a Pub e Gnougn e a Ignominie para a versão K7. A capa colorida, autoria de Matt Konture, deixará o arquivo musical ainda mais interessante e, segundo um membro de Ultra Zook, já o testou no rádio do carro. Parece que a experiência correu bem, excepto nas alturas em que não reparou nas lombadas da estrada.

Os Ultra Zook têm dado concertos. E que tal visitarem Portugal?

Ultra Zook: Benjamin Bardiaux: teclado e vocais; Rémi Faraut: bateria e vocais; Manu Siachoua: baixo, guitarra e vocais

Texto: Priscilla Fontoura

 

Montagem: Priscilla Fontoura

Wagner als "gefährliches Individuum“, Steckbrief von 1853

O ruído contraria a harmonia tal como a violência se opõe à paz. Diz Jacques Attali que o ruído é, em si mesmo, violência: molesta. Fazer ruído é romper a comunicação, desconectar, matar. Por outra parte, a música é o simulacro de canalização do ruído, imagem de sacrifício, sublimação, exacerbação do imaginário, ao mesmo tempo que criadora de ordem social e de integração política1.

Todo o poder ou ideologia precisa de um músico para fazer esquecer a violência geral; de fazer acreditar na harmonia do mundo pela legitimação do poder; e de fazer calar a dissidência produzindo uma música ensurdecedora e eclética. O poder utiliza a música como bode expiatório ou rito sacrificial quando nos quer esquecidos; como encenação ilusória sempre que necessite da nossa credulidade; e como repetição em série, uniformizadora, quando precise de nos emudecer.

A música sempre foi um instrumento nas mãos do poder. Carlos Magno impôs o canto gregoriano para controlar o pensamento e criar a unidade política e cultural em todo o seu império. A ópera, a música sinfónica, o jazz, o pop ou o rock reproduzem a estrutura das sociedades nas quais se manifestaram e também mudam com elas. Mas o músico também pode ser perigoso quando tem a possibilidade de subverter a normalidade e nos faz ouvir aquilo que acabará por se tornar visível. Essa era a advertência de Platão, pois “nunca se abalam os géneros musicais sem abalar as mais altas leis da cidade”2. E quando o poder desleixa a proteção e financiamento dos seus músicos, eclodem os sons dos diferentes poderes em conflito e até os ruídos de revolução.

Em 1830, quando tinha apenas dezassete anos, Richard Wagner ficou revoltado pela invasão russa da Polónia, e aí começou o seu in amado posicionamento revolucionário. Em 1848, ano do Manifesto comunista, Wagner frequenta o anarquista Bakunin e, pouco antes da revolução de maio de 1849, no dia 8 de abril publica um artigo radical, no Volksbläter, pedindo a destruição da ordem existente; mas a revolução foi duramente reprimida e, milagrosamente, consegue fugir ao fuzilamento exilando-se na Suíça. Wagner nunca incluiu ‘Die Revolution’ na edição dos artigos e poemas mas foi o germe do libreto da Tetralogia de O Anel dos Nibelungos.

A viúva de Wagner, Cósima, e o seu lho Siegfried, dirigiram o Festival de Bayreuth até 1930, passando a direção, nesse ano, para Winifred, viúva de Sigfried, que era muito amiga de Adolf Hitler, começando aí a manipulação da mensagem wagneriana. O gosto musical de Hitler não ia além de operetas e de insípidas musiquetas, mas o aparato de propaganda nazi soube capitalizar os convites do festival. No final da guerra, Winifred foi condenada à prisão, com pena suspensa, e afastada da direção.

O triste paradoxo é que após mais uma invasão russa, e um século da perversa manipulação nazi, ainda haja quem acredite que Wagner inspirou as atrocidades de Hitler, ou que um grupo paramilitar invoque o seu nome para semear a morte na Ucrânia. Nenhum deles percebeu alguma coisa do significado profundo das óperas wagnerianas, e como a invocação errada os leva a uma desgraça imprevista e funesta, como aconteceu a Hitler. Talvez esta reflexão de Edward Said nos ajude a entender: “Em certo sentido, todas as artes são silenciosas... a música, que depende do seu som, e é som, é a mais silenciosa, a mais inacessível ao significado mimético que, por exemplo, podemos obter de um poema, uma novela ou um filme.”3 Interiorizar esse silêncio é um ritual reconciliador com a ordem social, mas o silêncio que aqueles iluminados impõem à humanidade tem mais a ver com a paz dos cemitérios, em sentido literal. Quando a música substitui o ruído natural de fundo, transforma-se numa violenta imposição do silêncio pela música, num ruído para fazer calar a massa ou reorganizá-la ideologicamente por meio da repetição. Mas a repetição só transmite a insignificância, a incomunicação e utiliza o arcaico sistema tonal para não surpreender o público e assim conseguir que a massa consuma as musiquetas do ruído de uniformização universal. Há uma outra música, radicalmente oposta, minoritária e sem mercado, que sub- verte os códigos culturais dominantes, e que pode fazer-nos ouvir aquilo que acabará por tornar-se visível. Attali conclui que “a música é como a multidão, tanto ameaçadora como uma fonte necessária de legitimidade, um risco que todo o poder deve correr ao tentar canalizá-la”4.

O imperador romano Marco Aurélio, no livro segundo das suas Meditações, afirma: “Eu já vi a beleza do bem e o horror do mal, e percebi que a natureza de quem pratica esse mal é semelhante à minha”5. A música é uma negociação contínua das partes em conflito. A composição é um questionamento perpétuo da estabilidade, ou seja, das diferenças. Lederach dá por certo que “a criatividade vai além do que existe, rumo a algo novo e inesperado”6.

Autor do texto: Rudesindo Soutelo (Compositor e Mestre em Educação Artística)

1 Attali, J.: Ruídos. Ensaio sobre la economia política de la música. Valencia: Ruedo Ibérico, 1977, p. 53.

2 Platão: A República. Lisboa: Fundação Calouste Gulbenkian, 2008, p. 169 [424 c].3

3 Said, E.: Música al limite. Barcelona: Random House Mondadori, 2011, p. 348.

4 Attali, J.: Op. cit. p. 29.

5 Aurélio, M.: Meditações. Lisboa: Cultura editora, 2019, p. 19.

6 Lederach, J.P.: The Moral Imagination in European Judaism. Volume 40, Issue 2 (2007) (berghahnjournals.com). Aces- so em: 11 abr. 2023.

https://www.researchgate.net/publication/370838551_Paz_e_ruido

Género: jazz, free, improvisação, instrumental, noise
Autores: Sensor 
Disco: Amplifying Frequencies
Lançamento: 24 de Fevereiro, 2023

© Micaela Amaral e André Coelho

Chegam-nos novidades do mais recente lançamento de Sensor: o "colectivo mutante de improvisação portuense". Sensor volta à carga com um novo trabalho que se destaca pela exploração de intersecções sonoras entre guitarra (Rafael Fernandes), saxofone (Sigmund Snopek IV), bateria (Raúl Silva) e electrónica (André Coelho), entre o industrial e o jazz, o rock, e pela dicotomia vida e morte. Este trabalho comunica com almas viajantes que gostam de vaguear pelos centros urbanos durante a noite. O registo experimental e jazzístico volta-se para a improvisação como ferramenta motivadora que potencializa a criação de narrativas visuais.

A auto-análise em torno de "Amplifying Frequencies" refere: “Vejo à minha volta todos os meus antepassados chalados, dançando à roda da cama, consolando-me, incitando-me, azorragando-me com as suas línguas de serpente, sorrindo e troçando de mim com as suas esquivas caveiras. Mais nitidamente do que tudo o mais vejo a minha própria caveira risonha, vejo o esqueleto a dançar ao vento, serpentes saindo da língua putrefacta e as empoladas páginas de êxtase viscosas de excrementos. E junto-me ao meu lodo, ao meu excremento, à minha loucura, ao meu êxtase, ao grande circuito que flui através das cavernas subterrâneas da carne. Todo este vómito não solicitado, não desejado, bêbado, fluirá interminavelmente através da morte dos que chegaram ao vaso inexaurível que contém a história da espécie”.  - Sensor

"Amplifying Frequencies" está disponível em CD-R profissionalmente duplicado, acompanhado de um fanzine de 16 páginas com capas e bolsas impressas a linogravura. Edição em envelope kraft e limitada a 60 cópias. Grafismo por Micaela Amaral e André Coelho.

Edição digital disponível em https://khthonios.bandcamp.com/

Para encomendar uma cópia, poderão enviar um email para bunkerfanatic@gmail.com ou comprar directamente através da página de bandcamp da KHTHON

Gravado e misturado por João Guimarães no Quarto Escuro e Microclima // Porto
Grafismo por Micaela Amaral e André Coelho

A identidade de um lugar é transmitida pelo toque singular dos guardiães da tradição oral. De há uns tempos para cá, assiste-se ao ressurgimento do folclore brasileiro na cultura brasileira pós-moderna. Os Papangu, formados em 2012, são estafetas dessa missão. Passaram sete anos até "Holoceno" ser lançado. O primeiro disco da banda inspira-se na escatologia ecológica e no movimento modernista nordestino do Brasil, região árida historicamente marcada pela desigualdade social e pela violência. O disco cantado na língua nativa da banda, o português, narra a história de um cangaceiro - um bandido do sertão do Brasil - que, após ter uma visão do seu destino, tenta mudá-lo por meio de um ritual de sacrifício. A tentativa não muda o curso do destino, mas acentua-o para uma reacção em cadeia, impelindo o protagonista a fazer o pacto de Fausto para impedir o próximo desastre ambiental.

A preservação e disseminação do folclore brasileiro por meio da ficção e da música de artistas brasileiros têm se revelado, nos últimos tempos, uma consciência que se afirma por manter a história da região viva. Apesar das influências directas de prog, stoner rock, post rock, sludge, zeuhl e os ritmos do Nordeste do Brasil, a soar a Mastodon e King Crimson de meados dos anos 70, dir-se-ia que "Holoceno" poderia ser a alegoria de uma nave espacial que abduziu os Oranssi Pazuzu para a realidade brasileira. O disco é permeado por riffs lentos aumentados por estruturas musicais incomuns e ritmos sincopados - cortesia de Torstein Lofthus, lenda de Elephant9 e SHINING - com participações de Uaná Barreto no teclado, Luis Souto Maior no sintetizador monofónico analógico e Prophet-6, e o saxofonista Benjamin Mekki Widerøe de Seven Impale. O tema bónus inclui uma remistura de Bacia das Almas de Toby Driver (Kayo Dot e Maudlin of the Well), exclusivo para compras feitas no Bandcamp. A compra de Holoceno no formato digital via Bandcamp ajudará a produção e lançamento do próximo disco dos Pagangu.

Como correu a digressão e por que caminhos andaram?

Papangu: Correu muitíssimo bem e superou todas as nossas expectativas. Tocámos no sudeste do Brasil, onde se fixa a maior parte do público brasileiro de metal e rock vive (graças às áreas metropolitanas do Rio de Janeiro e São Paulo). A digressão incluiu quatro datas na capital paulista, uma na capital carioca, e outras no interior de Minas Gerais, Rio de Janeiro e São Paulo. Nunca havíamos tocado fora do nosso estado natal, mas a repercussão de Holoceno e os convites feitos pelo duo de grindcore experimental TEST e pelo festival Kool Metal Fest nos tiraram do conforto de casa. Foi, de fato, nossa primeira digressão de verdade, e gostaríamos muito de fazer isso com mais frequência – quiçá na Europa em 2024, se algum booking agent ou organizador de shows europeu nos convidar. Vendemos todos os CDs e fitas cassete, além de quase todo o estoque de camisetas e discos de vinil. Não acreditávamos que isso seria possível.

As revoluções que ocorreram aqui no tempo do Brasil colonial. As criaturas fantásticas do imaginário popular. Tudo isso fez parte do nosso crescimento e nós temos orgulho disso.

Por que levaram tanto tempo para lançar o disco?

Papangu: Quando iniciamos a banda, éramos basicamente crianças. Hector (guitarra e vocal) devia ter por volta dos 17 anos, que no Brasil ainda é tido por adolescente. Nós éramos estudantes universitários e não tínhamos nem dinheiro e nem estrutura alguma para gravar nosso som. Lentamente nós conseguimos algum dinheiro através dos nossos empregos com o passar do tempo, bem como montando, aos poucos, uma estrutura apta para polir nossas composições de maneira mais profissional, através da aquisição de mais instrumentos, mais equipamentos, interfaces de som que permitiam a gravação de demos… Esse processo de amadurecimento como músicos e como pessoas fez com que o resultado demorasse a ser concretizado. Mas as sementes estavam plantadas desde cedo. A música “Terra Arrasada”, por exemplo, foi a primeira composição da banda.

Têm algum vínculo afectivo com o nordeste ou a região serviu apenas de inspiração para produzir Holoceno?

Papangu: Todos nós da banda somos nascidos e/ou criados no nordeste do Brasil. O vínculo que temos com as histórias, tradições e falas presentes no nosso disco está no nosso sangue. Nós crescemos ouvindo histórias dos cangaceiros e do bando de Lampião em suas viagens pelo sertão nordestino. As revoluções que ocorreram aqui no tempo do Brasil colonial. As criaturas fantásticas do imaginário popular. Tudo isso fez parte do nosso crescimento e nós temos orgulho disso.

Fizeram muita pesquisa com recurso a livros de inspiração ao movimento modernista nordestino?

Papangu: Algumas letras e conceitos são directamente inspirados por obras como “Os Sertões”, de Euclides da Cunha, além de “Morte e Vida Severina” de João Cabral de Melo Neto, além de obras diversas de Ariano Suassuna e Augusto dos Anjos.

Quem foi o responsável pelas líricas e como se dá o processo de composição?

Papangu: Depende da canção. Existem canções que possuem a letra integralmente construída por um ou outro membro. As letras de “Água Branca”, por exemplo, foram escritas por Marco (baixo e voz). Já “Lobisomem” foi escrita por Hector. Terra Arrasada, contudo, é um esforço colaborativo. Não há uma regra definida, portanto, e estamos sempre abertos a sugestões e colaborações dos membros da banda.

São histórias que eram contadas por nossos pais e mães, avôs e avós enquanto crescíamos. A cultura popular do nordeste brasileiro é riquíssima e merece ser cada vez mais estudada, apreciada e protegida. 

"Água Branca" encontra-se incluída tanto no disco como no EP. Por que optaram por esta escolha?

Papangu: O principal motivo de lançamento do EP foi apresentar ao nosso público uma versão alternativa da faixa “Água Branca” que antes só podia ser ouvida em uma compilação chamada “Milim Kashot Vol. 4”, de curadoria do blog Machine Music e realizada como forma de campanha beneficente em prol de um colega da cena da música extrema. A versão alternativa da compilação possui vocais diferentes, backing vocals diferentes, bateria diferente, um solo diferente (de guitarra e não de sintetizador, como em Holoceno) e uma mixagem diferente. Achámos que seria legal mostrar a versão alternativa também para os nossos fãs. Além disso, incluímos uma faixa experimental chamada “São Lourenço” para apimentar o lançamento.

O folclore brasileiro nordestino, os contos e mitos, são também muito estimulantes. Consideram que o vosso mundo entra também nesse imaginário? E quais são os contos que mais gostam?

Papangu: São a maior inspiração para os conceitos e letras que fazemos, sem dúvida. São histórias que eram contadas por nossos pais e mães, avôs e avós enquanto crescíamos. A cultura popular do nordeste brasileiro é riquíssima e merece ser cada vez mais estudada, apreciada e protegida. Acreditamos que as histórias mais fascinantes são as que envolvem criaturas místicas como as carrancas e os espíritos que habitam o grande Rio São Francisco, bestas vorazes como o lobisomem, a serpente feita de fumaça chamada de Boitatá. Além disso, as histórias reais e fantasiosas dos cangaceiros e do bando de Lampião estão entre as mais fascinantes.

O contacto inicial foi o de admirador. Marco (baixo e voz) é fã dos elephant9, banda de Torstein, e dos Kayo Dot, grupo de Toby, desde a pré-adolescência, e eventualmente fez amizade com os dois músicos ao vê-los em concertos. Como surgiu a necessidade de colaborar esteticamente em condições distintas – a pandemia nos forçou a gravar baterias fora do Brasil; precisávamos remixar “Bacia das Almas” –, contactámos os músicos e sugerimos a colaboração. 

Como foi o contacto com o Torstein Lofthus e Toby Driver?

Papangu: O contacto inicial foi o de admirador. Marco (baixo e voz) é fã dos elephant9, banda de Torstein, e dos Kayo Dot, grupo de Toby, desde a pré-adolescência, e eventualmente fez amizade com os dois músicos ao vê-los em concertos. Como surgiu a necessidade de colaborar esteticamente em condições distintas – a pandemia nos forçou a gravar baterias fora do Brasil; precisávamos remixar “Bacia das Almas” –, contactámos os músicos e sugerimos a colaboração. O resultado foi excelente e pretendemos continuar a trabalhar juntos em algum momento.

Têm uma preocupação moral com a sustentabilidade e o estado do nosso planeta. Lançaram a versão em vinil de "Holoceno" cuja finalização se deu com material amigo do ambiente e livre de toxicidade, à base de cera aquecida transferida para o papel. Como tem sido em termos de encomendas, as pessoas têm denotado mais consciência ecológica e ambiental, ou continuam a preferir a outra versão?

Papangu: Temos uma grande preocupação com o cataclisma ambiental que vem se assomando sobre o nosso planeta e isso está presente no conceito de “Holoceno”. É interessante e importante que uma grande quantidade de produtos, inclusive de bandas, possa ser confeccionada com materiais mais sustentáveis. Mas não temos ilusão de que isso vai salvar o mundo ou adiar o apocalipse. Apenas mudanças no cenário político e económico terão esse condão. Há uma falácia, criada pelas grandes corporações e efetivamente culpadas pela devastação, de que a culpa do cenário que vivemos é do pequeno cidadão que toma um banho longo ou que deixa de consumir produtos “eco”, quando na verdade o meio de produção capitalista e exploratório em que vivemos é um tiro certeiro em direção ao fim do mundo como conhecemos. O lobby feito pelos setores agropecuário e petrolífero para subsidiar o gado emissor de metano e os combustíveis fósseis ultra poluentes é um exemplo desse descaminho. Então é importante sim que produtos, e nossos produtos, sejam confeccionados em embalagens e materiais sustentáveis, mas nós precisamos de muito mais do que isso para impedir as mudanças climáticas e a devastação ecológica global.

...é difícil enxergar esse tipo de mudança dentro de um cenário de capitalismo predatório como o que nós vivemos. Mas isso não significa que nós vamos assumir uma postura pessimista e entreguista. Continuaremos lutando, pois nossas vidas e as das futuras gerações estão em jogo.

Agora que a Amazónia está entregue a um presidente que defende a sua protecção ambiental, encontram-se mais descansados ou desconfiam das suas promessas?

Papangu: Nós participámos ativamente da campanha para eleger Lula como o novo presidente do Brasil e ficámos imensamente felizes com sua vitória. Foi um passo determinante para remover o criminoso fascista chamado Jair Bolsonaro da presidência do nosso país. Contudo, precisamos continuar com os olhos bem abertos para tudo que precisa ser feito no que diz respeito à proteção do meio ambiente nas terras brasileiras. É esperado que o governo Lula retome a proteção merecida e esperada por nós brasileiros e pela comunidade internacional e nós vamos torcer para que isso ocorra. Ainda é cedo para tomar qualquer tipo de julgamento, temos apenas 3 meses incompletos de governo sob dificuldades de negociação com o Congresso, mas estamos desde já acompanhando os passos necessários para uma reversão no cenário em sentido positivo.

Quanto à reversão do cenário, é válido retomar o que afirmamos no questionamento anterior: apenas uma mudança drástica nos paradigmas políticos, sociais e econámicos será capaz de estancar ou ao menos atrasar o cenário de devastação ambiental em que vivemos. Pesquisas recentes demonstram que para manter o aquecimento global em apenas 1,5 grau Celsius exigiria que as nações reduzissem coletivamente suas emissões em cerca de 43% até 2030, além de que parassem de emitir dióxido de carbono para na atmosfera no início dos anos 2050. Infelizmente, é difícil enxergar esse tipo de mudança dentro de um cenário de capitalismo predatório como o que nós vivemos. Mas isso não significa que nós vamos assumir uma postura pessimista e entreguista. Continuaremos lutando, pois nossas vidas e as das futuras gerações estão em jogo.

Além da gravação do próximo disco, quais são os próximos objectivos?

Além de novas composições, é claro, pretendemos continuar levando a nossa música para lugares que ainda não tocamos dentro do Brasil e também ao redor do mundo. Seria fantástico conhecer e tocar em Portugal, inclusive!

Holoceno foi misturado por Jorgen Smädal Larsen, do estúdio Paradiso, em Oslo, masterizado por James Plotkin e produzido por Marco Mayer e a produção executiva ao cargo dos Papangu. A arte final esteve ao comando de Ars Moriendee, o logo por Salomão Montenegro e fotografia de Malu de Castro.

Texto e entrevista: Priscilla Fontoura

Entrevista: Papangu
https://papangu.bandcamp.com/album/holoceno

Capa: Ars Moriendee
Logo: Salomão Montenegro
Fotografia: Malu de Castro

Montagem: Priscilla Fontoura

Género: rock progressivo, avant-garde, rock japonês, noise

Autores: Poil Ueda

Disco: Junko Ueda

Lançamento: 3 de Março, 2023

Editora: Dur et Doux

Lilas Mala

Ultimamente as criações do Oriente têm vindo ao nosso encontro por mero acaso, ou será uma mensagem subliminar? No início do mês, os PoiL, com Junko Ueda, lançaram o disco homónimo. Ao longo do princípio do ano segui com atenção as publicações da banda nas redes sociais que se propunha a tocar na Europa. Eu própria partilhei a mensagem, mas infelizmente parece que nenhuma promotora interessou-se a dar-nos a ouvir numa sala de concertos o disco fabuloso.

Conceptualmente, PoiL Ueda retrata o encontro inesperado entre Junko Ueda, uma figura eminente da narrativa épica medieval japonesa, cuja voz quente e profunda convoca energias terrestres, e PoiL, o monstro que carrega uma loucura orgânica entoado num registo cósmico, progressivo e brutal.

O tema introdutório Kujô-Shakujô entoa um canto budista shômyô praticado pelos monges para afastar os maus espíritos. Convém, se se quiser andar descansado sem as mãos próximas da espada, mas não é o que a segunda parte prediz. O disco segue a estrutura das narrativas épicas japoneses que se centram nas lutas entre clãs que recorriam às artes marciais, à filosofia de respeito ao próximo e à hierarquia. A segunda parte mergulha numa batalha naval pelo controlo do poder, protagonizada pelos Heike e os Genji, dois clãs de guerreiros samurais, cujas gestas foram imortalizadas numa das epopeias mais emblemáticas da literatura japonesa, o Heike Monogatari, que remonta ao século XIII.

PoiL resulta de uma colaboração entre Junk Ueda, a vocalista e tocadora de biwa, e PoiL, a banda de rock francesa. A composição é baseada no canto épico tradicional shômyô tocado ao som do biwa e no canto budista Através da fusão de uma antiga música tradicional japonesa com uma formação musical europeia hipermoderna, este projeto oferece a oportunidade de descobrir um universo musical único. Uma performance inovadora onde o rock experimental desenfreado de PoiL se mistura com a voz suave e sinuosa, a narrativa convincente e o notável carisma de Junko Ueda.

Um disco extraordinário e recomenda-se PoiL em concerto para quem estiver num dos países contemplados pela digressão 2023.

Digressão 2023

01.03 Marché Gare (LYON - FR)

02.03 Zelig (LAUSANNE - CH)

03.02 Kuba (JENA - DE)

04.03 Festival des Arcs en hiver (BADEN - CH)

09.03 Neubad (LUZERN - CH)

10.03 Vera (GRONINGEN - NL)

11.03 Peel Slowly and see (LEIDEN - NL)

12.03 Le Lac (BRUSSELS - BE)

12.04 Momentum (ODENSE - DK)

13.04 Victoria (MALMÖ - SE)

14.04 Turkis (AARHUS - DK)

15.04 Rilksscenen (OSLO - NO)

17.04 Rahuset (COPENHAGEN - DK)

18.04 MS Stubnitz (HAMBURG - DE)

19.04 Tor 9 (BREMEN - DE)

20.04 Roadburn festival (TILBURG - NL)

29.04 April Jazz (ESPOO - FI)

18.05 FIMAV (VICTORIAVILLE - CA)

24.05 Zez (ZAGREB - HR)

25.05 Druga Godba (LJUBLJANA - SI) - TBA

26.05 Limmitationnes (DEUTSCH MINOHOF - AT)

27.05 Orpheum Extra (GRAZ - AT)

29.05 Music Meeting (NIJMEGEN - NL)

10.06 Clandestino festival (GOTHENBURG - SE) - TBC

17.06 L'An Vert (LIEGES - BE)

18.06 Houtfestival (HAARLEM - NL)

28.06 Festival Med (LOULE - PT) - TBA

08.07 Rudolfstadt festival (DE) - TBA

16.07 Musicales de l'Aggly (PLANEZE - FR)

25.08 Shambala festival (NORTHAMPTONSHIRE - UK)

PoiL Ueda:

Antoine Arnera I teclado e vocais, Boris Cassone I guitarra e vocais, Benoit Lecomte I baixo acústico, Guilhem Meier I bateria, vocais, Junko Ueda I satsuma biwa, vocais, Stéphane Piot I gravação na Hacienda, RemyBoy I mistura e masterização, Lilas Mala | artwork, Clément Dupuis | produção executiva, Judith Saurel I Layout, Adrien Arnera I admistração

Texto: Priscilla Fontoura

A narrativa do filme Women Talking, de Sarah Polley (2022), inspira-se em relatos verídicos ocorridos numa comunidade menonita em Manitoba, na Bolívia, por influência do romance homónimo publicado em 2018, da autoria da canadiana Miriam Toews. Trata-se de mulheres em sintonia e união, que ajudam outras mulheres com a necessidade urgente de declarar ao mundo os actos dramáticos cometidos contra as suas vidas, gerações e futuros. Há que sublinhar que também existem (na vida real) aquelas que, lamentavelmente, aprofundam o poço para a queda de outras mulheres, causando danos aos seus futuros sem demonstrarem a mínima empatia, muitas identificam-se como feministas...

Entre 2005 e 2009, mais de 100 meninas e mulheres foram violadas nas camas das suas próprias casas. As notícias relataram que a mais nova teria 3 anos e a mais velha, 65. Ao depararem-se com o cenário dantesco do sangue que lhes escorria entre as pernas, e com as dores no corpo provocadas pela violência sexual sofrida durante o sono, mantiveram-se em dúvida, por terem sido vítimas forçadas a adormecer sob efeito de anestésicos, vivendo num contexto de alienação social. Tragicamente, todos esses actos horríveis foram provados: alguns homens da comunidade de Manitoba usavam sprays anestésicos, habitualmente destinados a sedar cavalos e vacas, para entorpecer aquele grupo de mulheres e violá-las durante o sono.

Nas ruas de terra de Manitoba, a comunidade feminina é mantida analfabeta e desligada do mundo. Apenas os homens, com propósitos sombrios, sabiam ler. Tudo o que contrariava os preceitos da comunidade era taxado de pecado e considerado fruto perigoso da imaginação feminina. Embora analfabetas, as mulheres conheciam de cor passagens das Escrituras, que lhes serviam de alento e esperança para a libertação daquele aprisionamento traumático.

Em 2009, alguns homens da cidade foram apanhados em flagrante por meninas dispostas a provar a veracidade dos seus testemunhos. Perante os factos, as mulheres mais velhas decidiram reunir coragem e chamar a polícia. De oito homens, sete foram condenados.

O filme retrata o seio de uma comunidade menonita ultraconservadora, onde um grupo de mulheres se reúne para decidir o seu futuro. A narrativa é conduzida por Autje (Kate Hallett), uma das adolescentes da comunidade e filha de Mariche (Jessie Buckley). Para quem nunca ouviu falar dos menonitas, huteritas ou amishes – todos descendentes dos anabatistas e com raízes na Reforma Radical do século XVI – poderá pensar que a história decorre num passado longínquo. O brilhantismo do filme reside precisamente nessa alienação temporal e geográfica. No grande ecrã, vemos meninas e mulheres (e August Epp) rodeadas de feno e charretes, sem luz eléctrica – todo este cenário transmite a ideia de que a história se passa noutra época que não o ano de 2009.

Na ausência temporária dos homens, as mulheres menonitas, exaustas da violência sofrida, organizam uma reunião urgente para decidir os seus destinos. O objectivo é claro: definir o futuro de quem não perdeu a fé em Deus, apenas nos homens. As opções em cima da mesa são três: 1 – ficar, perdoar e orar; 2 – reagir e lutar; 3 – abandonar a comunidade e partir juntas. Uma delas será votada por maioria, em prol do bem-estar das mulheres e das suas crianças. August Epp (Ben Whishaw), o único homem presente, é responsável por tomar nota das reuniões. Também ele é um menonita excomungado, filho de uma mulher da comunidade que, tal como ele, não se conformava com o sistema patriarcal opressivo. Atentas ao tempo e temendo a libertação iminente dos homens detidos, as mulheres percebem que têm de decidir rapidamente. Entre receios e esperanças, vão votando, partilhando traumas e medos.

A fotografia do filme apresenta um sépia azulado, quase a preto e branco, que enfatiza um não-tempo e um não-lugar. A ausência de cor expressa também a tristeza que habita aquele espaço. A dinâmica e o ethos das actrizes Salome (Claire Foy), Mariche (Jessie Buckley), Ona (Rooney Mara), Mejal (Michelle McLeod), Agata (Judith Ivey), Scarface Janz (Frances McDormand) e August (Ben Whishaw) poderiam ser facilmente adaptados para uma peça de teatro – sente-se a imersão e a nudez espiritual de cada uma destas personagens. É arrebatador escutar o hino “Mais Perto Quero Estar” (Nearer, My God, to Thee), escrito no século XIX por Sarah Flower Adams, cuja temática remete para o sonho de Jacob e o pacto de Deus com o patriarca, responsável por conduzir o seu povo rumo à promessa divina. Tal como o sonho de Jacob, este grupo de mulheres e crianças procura também um porto seguro, uma terra onde possam viver em paz com os seus descendentes.

Os menonitas são cristãos que seguem os ensinamentos de Menno Simons, pioneiro do anabatismo e líder religioso frísio do século XVI. Parte desta comunidade não difere dos evangélicos ou protestantes; algumas denominações são conservadoras e vivem isoladas, enquanto outras são mais abertas à sociedade. As divisões internas e perseguições históricas levaram algumas comunidades a tornarem-se ultraconservadoras, numa tentativa de proteger práticas e tradições.

A voz destas mulheres representa o conflito interno entre tradição e vontade própria. Women Talking, escrito, realizado e protagonizado por mulheres, aborda temas ainda hoje muito presentes: poder e política, violência e consentimento, fé e rebelião, perdão e resistência. Infelizmente, a busca pela libertação e justiça continua, ainda hoje, a ser feita a custo.

Texto: Priscilla Fontoura

Reencontrámos Lu Yanan no passado dia 25 de Fevereiro. Desta vez, na Casa Comum, no âmbito do concerto levado a cabo pela antiga solista da Orquestra Filarmónica da China, em Henan, promovido em parceria com o Instituto Confúcio da Universidade do Porto e a Casa Comum (Reitoria) da Universidade do Porto. O concerto de Lu Yanan abriu a janela da Casa Comum para se ouvir a paisagem sonora do extremo Oriente e da música tradicional da sua terra natal, a China. 

Muitas vezes pensa-se o mundo de acordo com a relação que temos com certa realidade. Mas há uma série de diferenças culturais cruciais para uma melhor compreensão do mundo.

Sobre o concerto de Lu Yanan

O concerto de Lu Yanan fez-se com intervalos mediados por um professor, cujo nome escapa-me, para descrever as diferenças da música tradicional chinesa da música ocidental, foi, por isso, sobretudo uma sessão de promoção à literacia musical do extremo oriente. 

Durante o concerto foram dadas explicações sobre as diferenças de como a música chinesa em relação à ocidental deve ser interpretada, destacar quais os instrumentos mais populares e que cuidados precisam, da mesma forma dar a sentir o espírito que habita em cada tema original ou versão tocados por Lu Yanan. A música chinesa em comparação com a europeia contém em si diferenças significativas, uma vez que a sua leitura deve desprender-se da concepção que se tem da música ocidental. Enquanto a música tradicional chinesa é dirigida a um público mais erudito, normalmente no ocidente é a clássica que tem esse enquadramento.

 

Formas e estéticas da música oriental e ocidental

Os tipos de música diferem no sistema tonal, escalas, instrumentos e desenvolvimento histórico. O sistema tonal da música chinesa usa um conjunto de números para representar as notas da escala, enquanto a ocidental suporta-se no solfejo orientado por sílabas para representar as notas da escala. Por outro lado, a música chinesa baseia-se na escala pentatónica, tal como o blues, cinco notas por oitava; enquanto o sistema europeu e ocidental sustentam-se na escala diatónica, sete notas por oitava. A música oriental também emprega glissandos, slides e vibratos para criar melodias expressivas. No que diz respeito à harmonia, a música clássica ocidental é regulada por harmonias complexas e uso de cordas com forma mais abstracta; ao passo que a música tradicional chinesa foca-se em linhas melódicas e harmonias simples. Quanto à estrutura, a música tradicional chinesa usa normalmente a cíclica com melodia e ritmos repetitivos, enquanto a música ocidental clássica orienta-se tipicamente por uma estrutura linear com secções e temas distintos. O estilo performativo da música tradicional chinesa enfatiza a improvisação e ornamentação, enquanto a ocidental segue a partitura. A música tradicional chinesa tem na sua roda de instrumentos o erhu, a pipá e o guzheng, cujos sons e técnicas diferem da europeia como o violino, o piano e o trompete. No geral, os dois estilos desenvolveram-se independentemente com um vocabulário único musical, técnica e estética, contudo, podem obter influência uma da outra - colaborações têm sido levadas a cabo entre músicos orientais e ocidentais para a criação de novos géneros, um desses exemplos pode ser ouvido a partir do lançamento da Antologia da música experimental da China ou a partir do artigo Black Metal Oriental. Apesar de não serem chineses, os Jambinai também podem ser incluídos nesse grupo.

A música tradicional chinesa tem uma longa história que remonta a milhares de anos, com as suas raízes na música tradicional e música de corte. É dirigida para uma elite, como a música clássica europeia que remonta a vários séculos e é marcada por vários estilos e períodos: a clássica, a barroca, romântica e música moderna. A música oriental é mais visual e tende a contar uma história.

Guzheng e Pipá

Lu Yanan dividiu o concerto em duas partes, sendo que a primeira foi tocada ao som do guzheng, considerado um dos mais antigos instrumentos chineses da familia das cítaras, instrumento muito popular no folclore chinês do povo étnico Han. Apresenta uma forma oblonga em que as cordas (entre 21 e 26), presas nas extremidades da caixa de ressonância, passam por um cavalete que determina a altura da nota. Também é conhecido como o piano oriental devido à amplitude de notas, o timbre, e a poderosa expressividade que possui. O tema "Vendendo Flores", um original de Lu Yanan, retrata a história de uma mulher que acorda de manhã para entregar flores numa determinada região. A cítara chinesa não converge nem pertence à mesma família indiana, mas emite a mesma beleza. Muitas vezes a forma como é tocada pode aproximar-se da cítara indiana e reverberar melodias próximas do raga.

Lu Yanan foi afinando a pipá ao longo da segunda parte, por ser um instrumento que desafina com muita facilidade. O primeiro tema "Cisne" emanou pleno encantamento e ilustra dois cisnes enamorados a brincar num lago, enquanto esvoaçam demonstrando contentamento. O segundo tema, um original de Lu Yanan, retrata uma noite passada em Portugal com saudades da sua terra natal. A música chinesa tenta captar sensações espirituais e que se atribuem à natureza. O traço de Lu Yanan é marcadamente calmo, ficando mais intenso e voltando à lentidão inicial.

Pode considerar-se a pipá como o rei dos instrumentos chineses e provém da família do alaúde. O som é mais agressivo em comparação com o guzheng e permite estabelecer paralelos com a expressão musical contemporânea ocidental. As composições dividem-se em dois grandes grupos, peças mais líricas de alusão a observações da natureza e estados de espírito, ou descritivas relacionadas a acontecimentos militares e eventos históricos. A forma de exposição da música remete para a composição ocidental em que a expressão transita para a exploração de sons fora das normas. Os trastes são elevados em relação ao cabo, permitindo menor grau na modelação das notas e mais limitação das notas. Outra peça tocada com ritmo solto e sem acordes regulares pela artista oriental retrata um evento na China no século III A.C. e narra a batalha entre dois exércitos. O rei do batalhão vencido suicida-se junto ao rio a pensar na mulher que deixa, esta alusão lembra parte de um poema de Agustina Bessa-Luís: 

Se eu fosse poeta,

enforcava-me num salgueiro à beira da água,

para ver-me refletido no rio

e sentir na morte companhia.

A escolha de Lu Yanan para esta peça simboliza a separação de um líder que entra numa roda viva de agressividade, cuja representação pode ser aplicada aos tempos actuais na Europa que enfrenta momentos de conflito armado de um líder que age com motivos expansionistas. Muitos dos temas tocados por Lu Yanan poderiam ser acompanhados por imagens projectadas de um dos filmes mais relevantes do cinema moderno chinês, Herói dirigido por Yimou Zhang, pois, além de uma beleza estética e poética singular, retrata tanto cenas de amor como de guerra.

Lu Yanan tem divulgado ao longo de quase duas décadas a tradição musical de uma das civilizações que persiste mais antiga, com mais de 5000 anos de existência. A China integra 56 grupos étnicos que se espalham por um território com mais de 9 milhões de km2, o tempo histórico e a dimensão geográfica deram espaço para o estreitamento ou alargamento da cultura rica em tradições, que contém ligeiras variações ou diferenças dramáticas. A Casa Comum tem vindo a dinamizar iniciativas culturais de entrada livre para trazer literacia cultural à sociedade. Lu Yanan está radicada em Portugal há quase 20 anos e continua a promover a cultura musical do seu país para alargar o horizonte musical das comunidades.

Texto: Priscilla Fontoura | Imagens e Vídeos com recurso a telemóvel: Emanuel R. Marques | Concerto: Casa Comum